La combinación artística, el artista ( él o ella) mismo, el objeto mediador y el espectador. Viendo este nuevo artista prácticamente todos los artistas de hoy en día, dicen vomitar un proceso selectivo extraordinario, pero contrariamente Liggia Clark era una de las pioneras del proceso participativo donde todos los artistas daban una propuesta, dejaban un hueco y tenían que ser llenados por el espectador. La crítica de Liggia Clark tiene totalmente sentido en la lógica de su propio trabajo, no puede seguirlo completamente porque creo que la pregunta del protagonista o del héroe en un sentido técnico, es mucho más compleja de lo que uno puede presuponer a partir de las evoluciones de la artista, que se pueden seguir determinando más.....

Con relación al protagonista nos encargamos....... Contra la lucha con una determinada ironía para poner en tela de juicio precisamente el mito del artista. Para calmo..... el artista inglés ¿?.

Ella a sus comienzos de los años 80 donde entra la noción paradójica del sucedáneo en las obras como animadora de los cortes de cartón o como labor que llega a partir de una escuadra de radios antigua donde aparecen en público.

También puede ser interpretado de otra manera, el artista...... y digo, la mayoría de artistas de los que voy a hablar estan representados en la exposición.

Pues hizo una afirmación fascinante de Pollock, en sus escritos dice que para él la pintura de Pollock ya toma el arte virtualmente en el espacio. El cuadro, dice, virtualmente explota, se transforma en el campo de acción del movimiento gráfico, es una frase interesante.

Harold Roswnberg subraya que en Polloc el cuadro se había convertido en una 'arena’ ¿? para el acontecimiento del punto de encuentro entre el artista y la materia.

Pero Otitica, sigue hablando de este campo de acción y da al espectador, de una manera como ella llamaba 'a. bolides' ( bola de fuego). En la mitad de todo, bola de fuego o núcleo que está encendido ( era un término genérico). Eran cosas rectangulares con tonos de color y rellenado, por ejemplo con arena o con paja. Tipo de extrancloggy ¿? De..... define el vacío donde en palabras de Otitíca, los participantes actuaran buscando los sentidos internos por ellos mismos, mucho más que intentar tomar las sensaciones y los sentidos externos de una manera......... a una manera participadora. Esto es un tipo de 'gimiología ' ¿? Inesperada pero dentro de la Historia del arte.
Este es un tópico de la manera que determinados artistas 60 y 70 invitaron al espectador a participar y crearon la noción de colectividad. En un sentido esto nos lleva a la parte opuesta del aspecto teatral de la performance, pero estamos todavía dentro de la categoría amplia del arquetipo, especialmente con acciones y en el acto.

En cualquier caso, no creo realmente que la teatralidad sea el tema auténtico. Me acuerdo de algo que dijo Jean Jaeques Level después de los happening que organizaba en París en los 60. Él me dijo que , lógico que en los happenings era una especie de collage o de montaje de deseos y de sueños de toda la gente presente. Y creo que la imagen de Level va muy bien con lo que quiero explicar, porque él sugiere la relación entre nuestro ego individual i nuestro ego colectivo, que es un punto fundamental en todo.

Lo que preferiría mirar aquí es el pensamiento conceptual, estructural que los artistas han dado a la palabra colectividad en aquel periodo. No creo que sea necesario recordamos los 60 y los principios de los 70 en todo el mundo, hay un periodo donde vemos la formación de incontables grupos y colectivos pequeños, surgían en cualquier esfera inspirados por el deseo de traer un cambio cultural y social. Algunas de las experiencias fueron muy problemáticas. Los experimentos de los artistas eran una especie de escenificación de las problemáticas, de la poética, de las posibilidades de las estructuras de grupo, produciendo modelos alternativos para formas de auto-imagen no represiva.

La ¿? produjo un trabajo extraordinario entre el 68 y el 71 en el cual intentaba aunar una conciencia política emancipadora con una noción emancipadora de la estructura artística en una especie de relación mutua y recíproca, su nombre era "Acabemos con los esclavos'. Hay una propulsión, una participación donde intenta llegar a un acuerdo con el público ( empieza en el año 71). Hay una especie de juego callejero. Él invitaba a la gente a adentrarse ( inserirse) en una especie de red compleja de cadenas, tubos de plástico y de colores que tuviera toda la ciudad. Esto permitiría determinados movimientos y restringir a otros en un cambio constante de esquema de la movilidad recíproca.

El artista se quejaba de haber alimentado un sistema en el que los ligazones nunca podían ser atendidos. El título del trabajo, que usa deliberadamente, es un término muy gráfico para la ocasión para centrar la atención en su continua existencia y en formas más sutiles y modernas. El propio trabajo utiliza el símbolo de para sugerir la naturaleza de la libertad, tomando el símbolo tradicional de los esclavos, las cadenas y de sus connotaciones convencionales, escribe D. Medalla: ' Encontré la transformación paradójica, la estructura de la misma estaba basada en unos conceptos plásticos de....... Para determinados pioneros de la abstracción, concretamente Mont-rea ¿? y ¿? .

Por ejemplo Mont-rea........ Es una expresión colectiva de lo variable del movimiento iniciado por los participantes a los que .... Por una totalidad. El trabajo existe sólo como un complejo vivo de estos movimientos instantáneos y momentáneos, y por lo tanto no puede ser consumido aisladamente por un único individuo, o explotado o especulado por parte de la mayoría de personas que especulan con los objetos artísticos.

Con un método de ligar libremente a una persona con otra para formar una especie de globalidad móvil total. Veo una toma de conciencia creciente de cooperación voluntaria de una persona a otra, y entre el individuo y el grupo. Sin que el individuo o el grupo dominen, sin que haya posibilidad de que un individuo domine a otro. Porque las obligaciones en este trabajo están tan bien distribuidas que cada eslabón contribuye a la articulación de la totalidad.

El trabajo de D. Medalla incluye en una nueva manera, Out of actions ( Spit Time). También originado en el periodo de los últimos 60 i de los primeros 70. Puesto que la mayoría de vosotros probablemente ya habrán contribuido en algo a este trabajo sin fin, tal como es ahora en el Macba.
No voy a describir su mecánica, sólo voy a hacer alusión a la riqueza de su metáfora. Un puente en suspensión, una hamaca y una especie de operación quirúrgica. Una línea de producción, la larga mesa de una fiesta colectiva. Estas son algunas de las asociaciones, en algún sentido......... de estar suspendida delicadamente entre los recuerdos colectivos tanto de la clase obrera como del trabajo del ocio.

David Medalla siempre subrayaba que sus propuestas eran muy fáciles de entender, cualquier persona podía entrar en ella y participar, no se requería ningún conocimiento de arte, ningún..... cualquiera puede andar dentro de mis situaciones, depende de que cada persona utilice sus recursos. El objetivo es influir en la gente con entusiasmo, que crean en sus capacidades de ser creativos.
Sin embargo, las condiciones no eran anárquicas, tal como Medalla dice y lo cito: ' cada persona en su tiempo puede ser implicada en una actividad muy sencilla, que todo el mundo pueda hacer. En un proceso de esta cosa tan fácil en el ritmo, encuentra material de primera..... en el ritmo. Tomas a una persona que sea muy extrovertida y muy nerviosa, no puede ser solamente extrovertida frente a este trabajo porque la aguja si no también en........

El proceso es puramente contemplativo, de hecho hay connotaciones psicológicas. ...... cada persona tiene que decidir lo que va a hacer, cuánto tiempo va a dedicarle, o qué van a hablar de ellos allí. Cada afirmación de la persona está influenciada por la de los demás. Eso con el tiempo si queréis es una transformación cinética para explorar la relación entre le individuo y la colectividad, entre lo personal y lo público. Normalmente se pensaba en categoría estáticos i esquemáticos.

Es divertido, lo demás también aporta luz. O sea, el nombre de D. Medalla se centra de manera divertida alrededor de la noción de deseo, de disciplina, la planificación, etc. En la producción humana a la exploración de S. Hiller de la actividad humana involuntario de soñar. Son experimentos en la creación de un colectivo de soñadores. Las próximas tres diapositivas son de los documentos que quedan de este trabajo de S. Hiller. Que se llama 'Maquear los sueños'.
Expresar ¿? La libertad abierta que los artistas no le habían permitido antes de la colectividad. S. Hiller llegó a Londres de los EEUU a finales de los 60. Y en el año 69 inició una serie de trabajos de Performance participativa en las calles de Londres que llamó como Street Ceremonies - Ceremofflas en la calle (73), Dream M. - en el campo y a lo largo de la distancia (72).

Dream M., el trabajo que está en Out of Actions tiene también las prácticas objetivas de medir i maquear la subjetividad y la no sustancionalidad o inconsustancionalidad de los sueños. El proyecto seguía de la siguiente manera, después de unas prácticas durante semanas en la anotación de los sueños, 7 participantes fueron invitados a dormir al aire libre, en Hamshier, en el campo, en el sur de Inglaterra durante 3 noches. Un lugar conocido por su amplia concentración de marasmus y otras setas. Los participantes grababan y marcaban cada sueño por la mañana y se hacían mapas por sobre posición.

La pieza o el arte sale a partir de la influencia de la localidad en una dinámica muy clara donde se fijaban los sueños de los individuos y su manera de hacer el maqueado. A pesar de que los círculos de setas se reunían, me contaba el resto de los resultados.

Ello en cambio subrayaba un proceso que hiciera mucho más sensible la gente y puso en una especie de incertidumbre provocadora la frontera entre lo individual y lo social, lo privado y lo público. Estas investigaciones en palabras de Hiller eran no teatrales deliberadamente, si no que queremos crear iguales en un espíritu de una tarea colectiva en la cual todos los participantes son responsables de esta obra. Las experiencias individuales, las reacciones y los actos expresivos funcionan como aspectos de una estructura, designados para intensificar un sentido de subjetividad compartida. A diferencia de David Medalla cuyo colectivo tomó forma y siguió creciendo a través del trabajo, los experimentos de Hiller tenían mucha más distancia y eran mucho más antropológicos. Ella quería reflejar y reconstruir un material colectivo creado. Esto no es una prevención para seguir explorando a los mismos de entre...... de las relaciones entre individual y grupo.

Tomemos por ejemplo un trabajo tardío llamado Sister of Men (72 al 79). Estaba basado alrededor de un mensaje que el artista recibió durante un experimento de escritura automática. Un mensaje que resultó venir de una especie de comunidad de mujeres...... que se referían como 'las hermanas de Newmon, las sister of men. En parte venía a ser algo así. En este caso se ha hecho un libro de escritura automática, producido por ella. ' Somos las hermanas de Men, todo el mundo es la hermana, yo soy la hermana. Amemos a todas las hermanas, amor, amor, amor a las hermanas de todo el mundo. Quien es la hermana, etc. '.

La propia Hiller estaba mucho menos preocupada de solucionar el misterio de donde venían las palabras, que crear la idea de colectivo, e incluso de identidad que viaja con el tiempo dentro de la psique individual. ¿Qué es el yo? ¿cuáles son los límites?. Escribe: ' Mis manos hacen las marcas que forman las inscripciones. Pero no es mi manera de escribir, característica en mí, mi yo es un lugar para los pensamientos, las sensaciones. Pero no una frontera impermeable corporal, yo no soy un contenedor.'

La comparación aporta luz de varias maneras, aunque prácticamente nadie había pensado de hacerlo en el mismo tiempo. Por una cosa, fue difícil para mucha gente imaginarse que un desconocido Brasileño podía ser comparado con un famoso americano. Yo estuve implicado en el acontecimiento de Oiticica muy profundamente porque me carteé con él durante un año antes de la inauguración, y fui mediador entre él y el director de la W. C., Brian R.

Y trabajé mucho con Helio en el show y en el catálogo cuando llegó a Gran Bretaña a finales del año 68.

...... y escribí una crónica en el Times. Aunque era consciente de las enormes diferencias entre los conceptos de los dos artistas de la participación. Sin embargo, preferí mucho la de Oiticica, aunque había mirado a Morris por otras razones. He dicho que no pretendía compararlos ante el escrito y tengo la idea de compararlos de hecho.

Tuve una charla 25 años después con la historiadora de arte, Sunday Nine. Tanto Oiticica como Morris en sus exposiciones representan el punto de partida de.......

Oiticica fue la primera persona que habló del medio ambiental de. …………

Pero sólo unos cuantos meses después de la inauguración el artista empezó un proyecto con ausencia de estructuras aunque se parece en su simplicidad no comprometida a la de Morris, invita a la participación del público.

Había cilindros sobre los que andar, como en la cuerda floja, anillos en los que entrar, suelos y techos que se movían, que dictaban la posición de los movimientos de uno, etc. Solamente la idea era que uno fuera consciente de su propio cuerpo en una gama de sensaciones que en su intensidad y tensión pudieran verse como extensiones de las propiedades básicas de la escultura. Morris te daba o encontraba una interacción mente contemplativa dentro de las piezas, tal vez recordando sus propias experiencias con bailarines y objetos minimalistas en el Theatre de New York. Pero lo que ocurrió fue que la participación del público fue tan frenética, que las estructuras se vieron dañadas y resultaron heridas varias personas e incluso niños que trataban las piezas con mucho cuidado quedaron asombrados por el comportamiento de algunos de los adultos. Y fue dos o tres días más tarde que las estructuras fueron consideradas peligrosas y la exposición quedó cerrada al público. Un cierre que creó sensación en el Londres de aquella época.

No quiero describir hoy la exposición de Oiticica sólo por contraste, sin embargo claramente tenía una ética y una visión distinta. De hecho el artista prefería describirlo como un experimento, una experiencia. Estaba presente durante la mayoría del tiempo y con frecuencia se le podía ver descansando o escribiendo en una de las cabinas.

Todo el conjunto constituía una especie de aldea, de campus o de campamento mental, como lo denominaba Oiticica. Era la propuesta de lo que denominaba.......... un neologismo combinando creación, crecimiento, placer, ocio y seguramente criollo. Uno se quitaba los zapatos antes de pisar la arena de...... como se denominaba el Eden, ya que de otra manera no se podía entrar. En lugar de formas ¿? simples o mecánicas, notifica una invitación a jugar y a la ensoñación, cuyos extremos quedaban abiertos y no condicionados. Había bolas de fuego que explorar con el olfato, a veces con la mano. Cabañas para una ensoñación solitaria y otros espacios comunes. Había capas parangoné que uno podía llevar a bailar. Las bolas de fuego en el espacio central del Eden, con espacio para una sola persona que podía tumbarse sobre ella. Las capas parangoné que se podían llevar para bailar y también las celdas nido, un conjunto de cajas de 2 x 1 m. divididas por velos que el visitante era invitado a hacer habitable con los materiales que encontraba de su propia elección y a su propia manera.

En conjunto Oticica tomaba inspiración distinta de las formas simplificadas de la abstracción del S. XX. En lugar de la objetividad confrontacional y deducible de los minimalistas proponía espacios vacíos/abiertos para evitarlo. Su entorno aunque mínimo, daba una sensación rítmica, permitía una exploración sutil de la relación entre lo subjetivo y lo social, lo poético y lo material. Algo que me chocó en el momento a cerca de las dos exposiciones, aunque Morris invitaba a la participación del público lo hacía de una forma que enfatizaba el individualismo. Es decir juntaba a las personas, pero las mantenía separadas, esta era una de las razones para la explosión de la energía mal canalizada. Estabamos físicamente próximos pero cada uno en nuestro propio aislamiento y dirigidos como una sola mente al trabajo del artista, para poder llegar a dominarlo. Por ello la fricción, el choque, el zarandeo, y esto llevaba al gasto de energía frenética entre una persona y la otra, sin la posibilidad de renovación.

En lugar de hacer hincapié en el dominio, Oiticica hacía hincapié en el gozo sensual del mundo, la receptividad , la meditación y la comunalidad. El sol interno del ocio no represivo, como lo denominaba él. Que implicaba otra forma de encuentro entre el artista y el público. Y esta era una paradoja enorme, porque para Otitica la idea de...... asociada estrechamente no con las efectividades burguesas cómodas, si no con la vida precaria, rebelde y peligrosa de los habitantes de las fabelas de Río de Janeiro. Una búsqueda desesperada de la felicidad que había identificado en la vida y muerte de 'Cavallo '¿?, un proscrito que sufrió una emboscada por parte de la policía. Se expresa en uno de los “bolios” de Otitica como símbolo de esta emboscada, de esta muerte a manos de la policía.

El trabajo temprano de Otitica tenía lugar dentro de ámbito del movimiento del neo-concreto de Brasil 'inspirado en parte por figuras tan austeras como M. y Joseph Albert. Esto hace aun más notable lo que sucedió más tarde, notable en parte porque no era una simple transformación de uno mismo en su opuesto, sino un proceso evolutivo muy lógico. Otro antiguo miembro del grup neo-concreto es Lygia Clark, cuyo trabajo se puede ver en Out Of Actions. También ella trabajó inicialmente a partir de los formatos organizados y simplfficados de la abstracción geométrica, y en el caso de este trabajo Divisor (78) a partir, de la composición global en parrilla.

Divisor proporciona, creo yo, una de las imágenes poético-políticas más memorables de los 70. Un gran trozo de tela de 30 X 30 m. que auna pero sin juntar, sin revolver a un muchedumbre cuya cabeza sobresale de entre los agujeros practicados en ella. Era una metáfora ambivalente, bien refiriéndose a la atomización, a la masificación del hombre, cada uno dentro de su propio nidito, como escribía Lygia Pape , o a la comunidad como sugería Paulo H., que escribió : ' El plano está vivo a través de sus movimientos individuales, la energía se difunde a través del conjunto de este plano primordial de luz. Y la dialéctica divisoria unificadora se extendía al cuerpo de cada individuo, ya que esta gran tela separaba el cuerpo de los brazos, las piernas y el tronco. Un efecto que Pape habría ensalzado si hubiera tenido los recursos suficientes para hacerlo. Con la ayuda de una corriente de aire helada fluyendo en la parte superior y una corriente de aire caliente en la parte inferior sientes tu cuerpo sin cabeza, sin brazos o sin piernas”, escribió.

Como Divisor se puede comprobar con otras obra que se produjeron a nivel internacional en la misma época. En un sentido pertenece a un grupo de experimentos que nunca se han reconocido como tal, pero que a mí me parece que constituyen signos poderosos de los tiempos. Un interés compartido en la membrana permeable, en sus términos más sencillos esta membrana o epidermis es una división traslúcida, elástica, relativa entre opuestos. Por ejemplo, entre dentro y fuera, cabeza y cuerpo, una persona y otra, como tal expresaba perfectamente el impulso liberacionista de los 60 para superar las estructuras osificadas en el arte y en la vida. Era un signo para una nueva relación con la naturaleza, cuerpo y psique, y aparece manifiesta por primera vez por los cortes y las perforaciones de Lucio Fontana que convertían el plano de la representación pictórica en una membrana. La membrana social de ' Tate', tiene algunos puntos de comparación interesante con otra membrana el Ocean Front de 'Histro' que fue creado seis años más tarde que el de "Tate” y seguramente sin conocimiento de ella.

Ocean Front era una de las.......... Y logísticos de Cris H. mediante el cual extendió el extraño efecto visual de su concepto del embalaje sobre las vicisitudes del paisaje, era una tela blanca de policropileno que cubría un área muy grande donde el mar se encuentra con la orilla en Kingbeach ( Long Island ). Él compara de una forma muy intensa con las figuras humanas del trabajo de Pape en mi opinión.

Hay personas presentes en las fotografías de Ocean Front, pero sólo como técnicos a ayudantes cuyo trabajo consiste en implantar la superficie artificial en el caos natural. Las asociaciones de naturaleza o las de...... también se ven en las fotografías de Divisor de Pape, pero surge de una manera más espontánea, de un trabajo que gira entorno, esencialmente del cuerpo. Mientras Divisor se concentra en las personas individualmente y socialmente constituidas en la creación experimental de lo que Lygia Clark denominaría más tarde como el cuerpo colectivo. Resulta interesante observar que Histro enfatiza la naturaleza profesional de sus proyectos y el concepto casi puritano del trabajo. Escribe : “Si 300 personas se utilizan aquí no es porque queramos que 300 personas representen un papel, si no porque tenemos trabajo para ellas.”

El Divisor de Pape, por otro lado encaja en una ética de ocio, de juego, de festividad, de celebración que tiene unas raíces muy profundas en Brasil. Recordemos el concepto de Oiticica de Cry L.. También creo que esta ética se acerca mucho al espíritu de participación de Medalla.

Corriendo el riesgo de atribución de estereotipo, creo que algunas realidades de diferencia cultural deben mencionarse en este contexto. Es difícil pasar por alto los elementos de una forma del Sudeste de Asia en Stiching Time de Medalla. Sobre todo si pensamos en su producción en Londres y su comparación con las construcciones escultóricas de otros artistas de esta época en Londres. Algo que nos da unas memorias más comunes, más sensuales, de otras formas de cultura más tropical, antes del avance de la industrialización y la mecanización. Al mismo tiempo no se implica ninguna nostalgia porque estos elementos se combinan a una reflexión muy avanzada sobre los problemas del arte, la producción y su construcción. El consumo del arte, su lugar en la sociedad, la naturaleza de la inspiración y de la autoría o son estos elementos los que llevan el trabajo más allá de la posición de la mayoría de la escultura de este tiempo. Su modelo de colectividad de alguna forma similar, va más allá de las alusiones de las sociedades pre-capitalistas de incorporar el pluralismo cultural, la heterogeneidad, la cacofonía de voces dentro de las metrópolis modernas. Estas amalgamas son muy complejas.

No podría tampoco pasarse por alto la asociación del trabajo de Otitica y de Pape con cierta actitud brasileña hacia el cuerpo. La artista brasileña Regina Butter escribió casi con nostalgia, ya que vive desde hace mucho tiempo en EEUU que, y cito: “al tratar con el cuerpo de una forma psicológica pero lúdica, Latino América es un continente......

Tal vez esa de debe a la absorción intensa de la cultura negra e india, o tal vez es un sentimiento ecuatoriano, pero en Brasil el cuerpo se inventa y respira por sí mismo en una espontaneidad sensual más intensa que en cualquier otro lugar que yo conozca. Pero una vez más estos……….., elementos forman parte de conjuntos complejos de ideas y sentimientos, y no tienen nada que ver con las visiones esencialistas de la cultura, e incluso cuando Robert Morris intentaba su experimento de Londres, otras nociones de participación se desarrollaban en EE.UU. Sobre todo entre artistas que se definían como partidarios del movimiento de liberación de la mujer.

Aquí la cuestión de la creación de la colectividad era muy importante, reflejada en las acciones de las artistas como Caroline S., D. Chicago y otras.

Circula de nuevo hacia el trabajo de Susan Dylan en Inglaterra que se utiliza tan frecuentemente como la base de su especulación en el descubrimiento de comunidades. A veces de forma muy improbable e incluso caprichosa los soñadores de Green M. por ejemplo, las mujeres creamistas de..... (71), C. Lennoin dedicated to Arnold Mapen ( 72), o las personas que miran la televisión de madrugada (83-84).
Me gustaría ahora centrar mi atención en Lygia Clark, por supuesto el conjunto de la obra de Lygia Clark se basaba en el cambio de relación entre el artista y el espectador y por tanto, el cambio de la naturaleza del objeto que produce el artista.

Hay muchas formas de enfocar el maravilloso trabajo de Lygia Clark, uno de ellos sin duda es través del modelo del diálogo. Puede reseguirse hasta las obras más tempranas de Clark en el arte abstracto geométrico. Aquí se centra una contradicción del dialogo entre espacio interior y el espacio exterior. En aquellos momentos Liggia se veía fascinada por la relación por el espacio del cuadro a el espacio del arte y el mundo o el espacio cósmico que la rodeaba. Siempre estaba probando el límite existente entre ellos, decía que lo que quería expresar era el espacio en sí mismo y no quería componer dentro de él, o que el espacio en la pintura se rebele como un momento del espacio que le rodea.

“ Empecé con la geometría,” dice, “pero estaba buscando un espacio orgánico donde uno pudiera entrar, penetrar la pintura, para permitir o dar acceso a la obra.”

Permitir al acceso a la obra, esta es la clave para del desarrollo ulterior de Lygia en su práctica participatoria de su relación con el otro, de su crítica del arte.

Debemos recordar que Lygia Clark realizaba sus objetos a través de los componentes más materiales que encontraba como por ejemplo sacos o redes de cebolla que utilizó en…………….

No pretendía que su trabajo estuviera en el medio artístico de galerías y museos si no para la persona en la calle. Hablando de esta relación en una ocasión criticó una película que había visto, el trabajo de un cineasta al que conocía y cuyo talento le parecía muy bueno, pero le criticó de la siguiente forma: “el lenguaje que debería ser abierto, y es lo contrario, extremadamente cerrado y uno siente la personalidad de la persona que ha hecho la película totalmente, sin ninguna apertura. Sus problemas son de cariz subjetivo. Cómo puede uno....... Abierto lo que es fundamental, hoy en día. Este es el problema, Iván, que es un cineasta nato, trabaja con imágenes y ha vuelto a convertir su idea en una biopsia de sí mismo”. Así es como el cuerpo entra en la obra de Lygia Clark, no como imagen, no como representación, ni como expresión, sino como diálogo. El diálogo podía ser como uno mismo, una parte de uno mismo con otra parte de uno mismo, o la parte interna de uno mismo con la parte externa de uno mismo, podía ser entre personas, e incluso entre un grupo de personas. Aquí porque nuestro tema es la colectividad, intento concentrarme en las experiencias de grupo para el que Lygia en un momento dado dio el nombre general de Colective Body.

Por supuesto tenemos aquí la implicación de un solo cuerpo constitutivo de muchos cuerpos. En una obra llamada The I and the you ( el yo y el tú 1967), Lygia experimenta con un diálogo táctil con ojos vendados articulado por un cordón umbilical de goma, en el que un hombre y una mujer se visten, se tocan y se van encontrando en los bolsillos sugerencias metafóricas de su propio sexo.

Lygia vinculaba grupos de personas con redes hechas de cintas elásticas, se tensaban entre sus muñecas y sus tobillos. No era una performance, ni una obra de teatro porque no había espectadores. Era un juego, era de carácter lúdico. Lygia podía imaginar, por ejemplo, que una persona podía dejar el grupo, cruzar la calle, comprarse unos cigarrillos pero siempre sin separarse de los otros y por ello afectando sus cuerpos, sus movimientos.

En otro colectivo los participantes se pusieron trajes de gato y luego se cosieran los unos a los otros en diferentes puntos de dichos trajes.

Más tarde este tipo de estructuras llegó a parecerle inadecuado a Lygia, le parecía que estaba limitado a una vinculación muscular o motriz de cuerpo a cuerpo, y quería alcanzar una interacción de individuos que fuera menos delineada, más fluida, más marcada por unos niveles de interioridad cada vez más profundos. La primera fase era una identificación del cuerpo con la casa, con la vivienda o de la habitabilidad con la comunicación. Por ello se creaba una estructura arquitectónica que surgía de los propios participantes, de sus gestos y movimientos a los que contribuían una serie de material simple y elástico. Lygia Clark llamaba a esta fase la Noción de un soporte de estructura y de espacio se entretejía con una exploración experimental.
Una de las obras, en mi opinión más profundas de Lygia Clark, la mecánica de esa obra es que una persona yace en posición supina y las otras personas se agazapan alrededor del cuerpo y gradualmente sacan de sus cabezas hilos de algodón a la persona tendida en una especie de teleraña o de....

Para Lygia el cuerpo colectivo se constituía de un intercambio de personas y de su .... Interna. El hilo era una metáfora material de ello.

"Este intercambio no es agradable, escribió, la idea es que nuestra persona vomite experiencia vital al participar. Éste vómito será tragado por los demás. Por lo tanto en un intercambio de cualidades físicas y la palabra comunicación es demasiado débil para explicar lo que sucede en el grupo'. De otro trabajo escribió: “Es como penetrar los cuerpos de los demás, no hay espectadores, es una idea monstruosa convertida en un gozo íntimo .”

Más tarde Lygia C. se alejó de las posiciones de grupo para trabajar con individuos en un contexto utilizando sus objetos relacionales, muchos de los objetos que ella había inventado a lo largo de su carrera. Este acto final extraordinario está más allá de lo que voy a hablar hoy.

Voy a acabar situando un poco sus experimentos de estos artistas de forma breve y como indicación en el contexto del mundo entendido como lugar más amplio y global. Como ideas y percepciones para aquellos que son receptivos a ellas tienden a fluir más allá de las barreras erigidas por los impedimentos burocráticos dentro del arte del mundo artístico, me parece también algo inestable y absolutamente absurdo que el aspecto experimente de formas tan distintas en un mundo no artístico al principio de los 80 surge una enorme comunidad espontánea en sede la base de las fuerzas aéreas de los EE.UU. de...... Y en un fin de semana los manifestantes invitaron a gente de todo Gran Bretaña e incluso de otros lugares de Europa para reunirse allí en esta base y decorarlo con cualquier cosa que les gustara a ellos, cualquier cosa que denotara vida. De muchas manera fue como una versión gigantesca de... Time de D. Medalla . Parecía ilustrar la idea de Medalla de que su propuesta era infinita, no un objeto de arte discreto ¿?.

Los ecos seguramente inconscientes también pueden encontrarse en la obra de L.C. sobretodo en. ….. A finales de los 70 . Las redes de lana entretejidas por los manifestantes y colocadas alrededor del perímetro de la base. Estaban acostumbrados a vincular a la persona a la tierra, comprender la relación paradójica entre la debilidad y la fuerza. Estas redes estas telarañas no relacionaban la fuerza con la violencia, sino que intentaban respetar el carácter. …………… de la fuerza bruta.

Intentaba expresar el carácter vergonzante de la fuerza bruta. El otro día recibí por correo un folleto que anunciaba un nuevo libro que se titulaba ' Arte Moderno ', que refleja una consternación considerable en el mundo de los museos porque el arte contemporáneo puede no durar materialmente. En todo el mundo los museos se enfrentan a los problemas que surgen a causa del deterioro de las obras de arte contemporáneas ( materiales como pvc, etc. ) perecen e incluso la pintura monocromática no dura siempre. El libro se describe como una obra estándar para museos, coleccionistas, conservadores, archivadores, científicos, historiadores de arte, artistas y estudiantes en el campo de la conservación del arte. Se implica, de alguna manera, que los artistas han cargado de forma irresponsable a veces, con este grave problema, de hecho los propios artistas han considerado que el problema genuino yace detrás de estas preocupaciones y han intentado resolverlo a favor de la vida, la liberación del pensamiento, la aventura de la imaginación, la...……… del sentido del humor y del ingenio. Puedo recordar al menos dos ejemplos de Out of Actions que utilizan estrategias totalmente opuestas para el mismo objetivo. ¿ Teaching Time ¿ de D. Medalla era según mi opinión, un intento con éxito para revivir un trabajo pasado.

Y..... de acciones pasadas y un puñado de. ……… en vivo , implica al público en un diálogo que se crea a través del público a medida que progresa el espectáculo, la otra obra de Susan Dylan es sin duda la reliquia de una acción, una muy tímida y ………..... perfectamente el entorno del museo en cuanto a la conservación. Pero es una reliquia muy particular. Supongo que el gesto más radical que puede hacer un pintor contra la idea de que su trabajo podía ser materialmente permanente, es quemar la obra. Es sólo otra muestra de cómo demuestra.....………… en su obra. - esta obra que contiene unas cenizas embotelladas i etiquetadas de una serie de trabajos anteriores. Estos trabajos participativos los hizo cuando invitó a sus amigos a marcar sus huellas de las manos en los lienzos, emulando las primeras marcas pintadas de los seres humanos. Su trabajo se titula 'Trainadas de Mano ', implica que estas cosas muertas podían volver a explotar.